Trasfondo histórico del renacimiento
No se descubrió nada en la ciencia hasta el renacimiento. Antes del renacimiento todo se basaba en lo que la iglesia afirmaba. Se inició en Italia a finales del siglo XIV. Fue un movimiento artístico básicamente Italiano y tuvo diferentes artistas que destacaron como: Miguel Ángel,
Leonardo da Vinci, Rafael entre otros. Más tarde fue difundida por toda Europa.
El Renacimiento se desarolló entre los siglos XV y XVI. La palabra renacimiento significa "volver a nacer"
En la época medieval todo giraba entorno a Dios. En el Renacimiento, el hombre pasó a ocupar el centro del universo, esta época fue denominada Humanismo, tanto se refería a la filosofía como a la literatura. Más tarde la nobleza es sustituida por la burguesía, prefiriendo las riquezas, el placer, los valores humanos y la belleza en vez de las guerras. Esta época era de esplendor cultural, para los artistas fue su “época dorada”.
Los músicos y compositores más importantes del renacimiento
- Tomás Luis de Victoria (Ávila, 1540 - Madrid, 1611):
Estudió en Roma, becado por el rey Felipe 11, y allí conoció a Palestrina.
Volvió a Madrid donde fue maestro de capillas del convento de las Descalzas Reales hasta su muerte. Su obra era exclusivamente religiosa.
En sus composiciones la música iba muy ligada al sentimiento del texto, este era uno de los mejores polifonistas religiosos españoles.
- William Byrd:
Compositor británico (1554 - 1623) El carácter emprendedor de William Byrd le permitió llegar a ocupar cargos oficiales anglicanos en la catedral de Lincoln y como organista de Isabel I en la capilla real. Se asoció con su colega Tallis y obtuvo de la reina el derecho exclusivo para publicar música en Gran Bretaña. Era un compositor prolífico y de gran talento, tanto de música sacra como de música profana.
- Josquin des Prez
Compositor francés (1440 -1521) En su época era habitual considerar la habilidad artística como un préstamo de Dios, que había que devolver mediante su obra. Aunque sus contemporáneos lo aclamaban como el mejor compositor, pasó su vida humildemente dedicado al servicio de la Iglesia, primero como cantante de coro, y luego, a partir de los sesenta años, como director (en el sentido de supervisor religioso). Aunque demostrando su devoción por la Iglesia, también disfrutaba de los placeres mundanos.Video sobre la historia del renacimiento
La pintura durante el renacimiento
En la pintura, los artistas del Renacimiento se destacaron por el uso del trazo perfecto. Asimismo, redescubrieron las leyes de la perspectiva, ignoradas desde la antigüedad, gracias a lo cual pudieron representar las figuras en una superficie plana, con la forma con que aparecían a la vista.Miguel Ángel
Fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento.
RAFAEL SANDIO (1483-1520)
Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
GIOVANNI BELLINI (H. 1430-1516)
Pintor Italiano (veneciano) Giovanni Bellini nació en la ciudad italiana de Venecia. Giovanni Bellini inició su carrera como ayudante en el taller de su padre. Giovanni Bellini en su primera época sufrió una gran influencia por su cuñado, el pintor de Padua Andrea Mantegna, de quien tomó el aspecto escultórico de las figuras, la potencial elocuencia de los contornos muy marcados y, en ocasiones, el tipo de composición, como en la obra de su primera época La oración del huerto (década de 1460, National Gallery, Londres). En las obras de Giovanni Bellini se puede captar una percepción, propia y sutil, del color y la luz, de una excepcional sensibilidad para los paisajes y de una compenetración con el tema humano mucho más directa y delicada que la de Mantegna.
Leonardo da Vinci (1452-1519) era florentino y fue escultor, arquitecto, físico, ingeniero, matemático y pintor. Nadie fue tan curioso como él; quería aprenderlo todo y lo había estudiado todo. Dejó numerosos manuscritos, ilustrados con gran cantidad de dibujos. Proclamó en materia científica la necesidad de la observación y de la experiencia, siendo uno de los precursores de los sabios modernos.
Da Vinci fue el modelo del hombre renacentista, un genio solitario que abarcó variadas facetas del conocimiento. Su constante interés por aprender la anatomía humana, el mecanismo de vuelo de las aves y la estructura interna de animales y plantas no le permitió producir una extensa obra pictórica. Además, también fue músico, filósofo, escritor, poeta, y autor de importantes estudios en materia de fisiología, química y medicina general.
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Eventos históricos y culturales de la época
En el siglo XIV surgió, en oposición a la Escolástica (enseñanza filosófica propia de la Edad Media, en la que dominaban las ideas de Aristóteles), un nuevo movimiento intelectual, el Humanismo. Esta corriente marcó una actitud distinta frente al entorno, al ser humano y al saber. Los humanistas estaban interesados profundamente en el hombre mismo, en las posibilidades que ofrecía la existencia terrenal y en la belleza de este mundo. Y estaban convencidos de que los escritos de los autores clásicos revelaban auténtica humanidad.
El italiano Francisco Petrarca ha sido calificado como el padre del Humanismo. Él dedicó toda su vida al estudio de los clásicos, tratando de imitar a Cicerón y Virgilio, descubriendo las cartas del primero, hasta entonces desconocidas. Al mismo tiempo, escribió sonetos en lengua italiana, en los que cantó su amor por una mujer llamada Laura de Noves. Sus obras más conocidas son el Cancionero y Triunfos. Por estos sonetos, Petrarca es considerado unos de los más grandes poetas líricos de la literatura universal.
Otro humanista famoso fue Juan Boccaccio, también italiano, autor del Decamerón, conjunto de cuentos que retratan al ser humano con sus vicios y virtudes y que reflejan las costumbres de la época. En otra de sus obras, titulada De la genealogía de los dioses, realizó uno de los estudios más completos que se conocen sobre la mitología grecorromana.
La ciencia
Aún indecisa entre la razón y las fantasías de la Edad Media, la ciencia del Renacimiento tuvo uno de sus principales exponentes en el sabio polaco Nicolás Copérnico. Sus conocimientos abarcaban la filosofía, la medicina, la pintura y el dibujo. Además, fue profesor de matemáticas en Roma. En astronomía, y de regreso en Polonia, revisó todas las ideas de sus contemporáneos y antiguos respecto del sistema del mundo, y descubrió el doble movimiento de la Tierra: sobre sí misma (rotación) y en torno al Sol (traslación).
Características de la música en el renacimiento
En el siglo XIV surgió, en oposición a la Escolástica (enseñanza filosófica propia de la Edad Media, en la que dominaban las ideas de Aristóteles), un nuevo movimiento intelectual, el Humanismo. Esta corriente marcó una actitud distinta frente al entorno, al ser humano y al saber. Los humanistas estaban interesados profundamente en el hombre mismo, en las posibilidades que ofrecía la existencia terrenal y en la belleza de este mundo. Y estaban convencidos de que los escritos de los autores clásicos revelaban auténtica humanidad.
El italiano Francisco Petrarca ha sido calificado como el padre del Humanismo. Él dedicó toda su vida al estudio de los clásicos, tratando de imitar a Cicerón y Virgilio, descubriendo las cartas del primero, hasta entonces desconocidas. Al mismo tiempo, escribió sonetos en lengua italiana, en los que cantó su amor por una mujer llamada Laura de Noves. Sus obras más conocidas son el Cancionero y Triunfos. Por estos sonetos, Petrarca es considerado unos de los más grandes poetas líricos de la literatura universal.
Otro humanista famoso fue Juan Boccaccio, también italiano, autor del Decamerón, conjunto de cuentos que retratan al ser humano con sus vicios y virtudes y que reflejan las costumbres de la época. En otra de sus obras, titulada De la genealogía de los dioses, realizó uno de los estudios más completos que se conocen sobre la mitología grecorromana.
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Características de la música en el renacimiento
1. La música de basa en los modos medievales, pero éstos se utilizan con más libertad.
2. La sonoridad es más rica y plena; la música está escrita en un estilo más libre y expresivo.
3.
Los compositores tratan de fusionar las líneas melódicas dentro de la
textura musical, en lugar de producir contrastes entre ellas.
4.
Existe una mayor conciencia de la armonía, del flujo de acordes y de su
progresión; las disonancias se tratan con mayor suavidad.
5.
La música puede ser de estilo acórido (textura homófona) o
contrapuntístico (textura polifónica), utilizando la técnica de
imitación para entrelazar la líneas musicales y crear una textura
musical contínua y uniforme.
6.
Música eclasiástica: Las formas musicales típicas son la misa, el
motete y el himno. Algunas piezas son compuestas para ser interpretadas a
cappella, y generalmente son de estilo contrapuntístico con mucho uso
de la imitación. También se compone música eclesiástica acompañada por
instrumentos, por ejemplo, piezas de estilo policoral que hacen uso de
la antífona y de grandes contrastes musicales entre los grupos.
7.
Música secular: Una gran variedad de canciones (por ejemplo,
madrigales, ballettos, aires, chansons) que a menudo hacen uso de la
técnica conocida como; danzas (por ejemplo, pavanas y
gallardas, pasamezzoss, basse danse) y también piezas instrumentales
(por ejemplo, fantasías, variaciones, canzonas).
8.
Timbres característicos de los intrumentos renacentistas, muchos de los
cuales forman familias compuestas fundamentalmente por diversos
ejemplares de un mismo instrumento pero con tamaños y registros
diferentes: violas, flautas dulces y chirimías.
Tipos de composiciones y formas de la música del renacimiento
La música litúrgica.
La religión cristiana fue adoptada por el Imperio Romano. Ya desde sus orígines, su liturgia y su música estuvieron por la tradición judía, a la que vino a sumarse la influencia griega y romana. Las celebraciones religiosas de los primeros cristianos fueron poco a poco conformando un nuevo tipo de expresión musical auscera, puramente vocal. Estos cantos litúrgicos tenían dos formas principales:
- Responsorial: era una especie de estribillo en que los fieles respondían a cada versículo de un salmo entonado por un solista.
- Antifonal: es una frase musical que introduce a un salmo cantado alternativamente, por dos coros que, al terminar el salmo, vuelven a cantar de nuevo la antífona todos juntos.
La rápida extensión del cristianismo dio una gran vitalidad a sus prácticas liturgias y muy pronto se incorporaron nuevos cantos, como los himnos, con texto en forma estrófica muy próxima ya al verso. Entre los creadores de himnos destaca de manera especial San Ambrosio, Obispo de Milán, a fines del s. IV.
El Canto Gregoriano.
Hasta el s. X la música Europea, como la música de otras culturas, era fundamentalmente monódica, osea, de una sola línea melódica en la que no interviene para nada la harmonía sin acompañamiento de instrumento, el ritmo del canto gregoriano es libre, no sometido a la rigidez métrica del compás.
Desde el s. VII hasta el XVI el canto gregoriano fue el tipo de música más importante en el mundo occidental. En estos mismos siglos se fue constituyendo y seleccionando un repertorio que, en honor a su primer recopilador, el Papa Gregorio II, se llama canto gregoriano. En el s. XI se establecen las reglas de su escritura musical (notación: Los signos conocidos con el nombre de newmas eran los que indicaban la altura de los sonidos que evolucionaron a lo que hoy conocemos como las notas. Con el tiempo empezó a utilizarse un tetragrama que evoluciono al pentagrama) y durante el s. XII y XIII se enriquece con nuevas aportaciones a partir de esa época, al contacto con la música extralitúrgica y profana, cada vez más progresiva, se inicia un largo declive, que acaba en nuestros días acaba por desaparecer prácticamente de nuestra liturgia.
Puede ser de dos tipos:
- Silábico: si canta una nota en cada sílaba del texto.
- Melismático: cuando cada sílaba del texto está adornado por varias notas
distintas, a veces muy numerosas.
Organum.
Hacia el siglo XII el término significaba una pieza musical litúrgica, en la que cada nota de un canto ya existente era mantenido en valores largos por una voz, mientras que una, dos o tres voces cantaban embellecimiento sobre ella.
Otra definición más clara es: forma primitiva de polifonía medieval, consistente en superponer de manera contrapuntística una o más voces a la melodía tomado de los cantos gregorianos. Es una de las primeras manifestaciones polifónicas que encontraremos en la música occidental (polifonía: es música vocal o instrumental a dos o más voces).
La notación.
Los teóricos del Ars Antiqua se preocupaban por encontrar una escritura que satisficiese las crecientes exigencias de una polifonía que se desarrollaba con gran rapidez. Entre ellos hay que destacar a Pierre de La Croix, Jean de La Garlande y Francon de Colonia, quienes codifican esos escritos de la ciencia musical de sus contemporáneos y fijan las normas que habían de servir, un siglo después a los músicos
Los teóricos del s. XIV Philippe de Vitry, Jacobo Lieja y Johannes de Muris, comprendían lo enunciado por los anteriores teóricos y perfeccionan un sistema de escritura que consiste en dar a cada nota un valor fijo en relación con las demás, de manera que al superponerse las voces podamos fijar con precisión la duración de cada nota y hacer coincidir las notas con las demás voces. Esto es lo que se llama notación mensural, o sea, con indicación estricta de la duración de las notas según el dibujo de la figura. Este sistema pervive hasta nuestros días con muy escasas modificaciones; sus principales figuras en el S. XIV eran:
máxima semibreve
longa mínima
breve semimínima
Las formas musicales.
El conductus es una pieza de carácter semilitúrgico que en principio se cantaba para acompañar o conducir a un personaje. En su elaboración polifónica, la melodía fundamental es la más grave: el tenor, la que sostiene a las otras voces que cantan el mismo texto todas a la vez con el mismo ritmo.
El motete procede del organum melismático. Perotín en su organa compuso una unas serias de vocalizaciones finales (cláusulas) sobre determinados fragmentos de las melodías litúrgicas que usaba como "vox principalis". Si esos fragmentos del tenor (que a veces no tienen más texto que una o dos palabras) se estructuran en un ritmo riguroso y a las vocalizaciones de la "vox organalis" se le pone un texto propio, tendremos ya un motete; motete, propiamente dicho, se llamaba a la voz que floreaba con ritmo libre sobre el rígido esquema rítmico del tenor, pues mientras éste sólo tenía algunas sílabas de texto para cantar, aquella lo hace con muchas palabras (mots, motets = palabras).
El tenor, a veces, era tocado con un instrumento en lugar de ser cantado; si el motete era a dos voces se convertía así en una melodía vocal acompañada por un instrumento, y si era para más voces, estas competían entre sí con toda libertad rítmica y melódica sobre la base instrumental de la voz más grave. Desde el Ars Nova, la introducción de tenores que no procedían directamente del repertorio litúrgico sino que eran canciones populares significó la conversión del motete en una de las más importantes formas de la música profana, aunque muchos grandes músicos siguieron cultivándolo con sentido religioso. Ea libertad y el estímulo de invención que supone la práctica del motete es uno de los más fecundos hallazgos de toda la historia de la música.
El canon está basado en el principio de imitación, consistiendo en una repetición literal de una melodía que se acompaña a sí misma pero desplazada en el tiempo. El más antigua de los conocidos es el inglés "Summer is icumen in" (Llega el verano), de finales del sigloXIII, cuya melodía podía cantarse hasta a seis voces.
El madrigal italiano empieza siendo un tipo de motete en que se concede especial atención a la melodía de la voz superior.
La danza, muy apreciada tanto en los más refinados ambientes como en las celebraciones populares, fue un factor determinante en el proceso que antes analizamos consistente en fijar ciertas melodías según esquemas rítmicos. Además de la evidente influencia en términos como la ballata o balada trovadoresca, tuvieron gran popularidad las estampies y los saltarellos. Hay tipos de danza religiosa, vinculados a las representaciones teatrales que se hacían en las iglesias sobre la Pasión, la Navidad, etc.; en España se ha mantenido la tradición del Canto de. la Sibila. También danzaban los peregrinos que iban en romería, algunas de cuyas piezas se conservan en el Llibre Vermell de Montserrat.
Los instrumentos.
No conservamos especificaciones concretas que nos digan si tal o cual obra ha de ser cantada o tocada también con instrumentos, y menos sabemos qué tipo de instrumentos deben tocarse. Sin embargo, está fuera de toda duda que la música de este período, aunque escrita para voces, podía tocarse también con acompañamiento instrumental; y no sólo la música profana, sino también buena parte de las composiciones religiosas.
En el período que estamos estudiando, tras el despegue operado en la época inmediatamente anterior, se había llegado a una gran proliferación de instrumentos y variantes. Podemos estar seguros de que el uso de tales instrumentos fue muy abundante, aunque no había nada que se parezca a nuestras actuales orquestas: los conjuntos eran muy reducidos, de una docena de músicos en los casos más excepcionales, y corrientemente sólo tres o cuatro, a veces menos.
En la iglesia se admitía solamente el órgano, pero las nuevas composiciones religiosas polifónicas facilitarían la introducción de otros instrumentos para acompañar o sustituir a las voces: violas, flautas, chirimías, etc. Trovadores y juglares tañían laudes, arpas, salterios, gaitas y, desde luego, variedad de panderos, sonajas, tamboriles, etc. Para las celebraciones públicas y las fiestas al aire libre se va perfilando un conjunto característico llamado de "música alta" por la potencia y brillantez de su sonido, compuesto de trompetas, chirimías y bombardas.
Bibliografía
Geck Martin (2014) Robert Schumann Hombre y Músico del Romanticismo Colección: Alianza Musica 117, ISBN 978-84-206-8822-0 EAN: 9788420688220.
Askenazi, Alberto (2013) Los Compositores Anecdotas y Algunos Datos Curiosos SBN: 978-6-07-402509-5 EAN: 9786074025095.
Editoral Akal (2013). La Guía Completa de La Musica Clásica.
ISBN 978-84-460-3792-7
Burkholder, J. Peter; Grout, Donald Jay; Translated by: Gabriel Menéndez Torrellas (2008) Historia de la música occidental, Publisher: Alianza Editorial ISBN: 978-84-206-6308-1.
Michael Hamburger (Editor) (2009) Beethoven Letters Journals and Conversations . Thames & Hudson. 1992. ISBN 0500273243
Redactado y publicado bajo la dirección de K.B. Sandved. Asistido por numerosos colaboradores. (1962) El Mundo De La Música Guía Musical. Talleres tipográficos de la Editorial Escasa-Calpe, S. A. Ríos Rosas, 26, Madrid.
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