Barroco

Trasfondo histórico de la época del Barroco 

La música del periodo barroco es el género musical relacionado con una época cultural europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).

Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.    El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se lo usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».

El género hoy llamado "barroco" se caracteriza estéticamente por la preeminencia de lo emocional sobre lo racional, por el género vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -donde "la música ha de ser sirviente de la poesía"- y por un auge de la música instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.

En esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso y el ballet francés.

A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.

Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.

En arte, de un modo general, el término “Barroco” denomina el estilo que aparece después del renacimiento, tipificado por la magnitud de las proporciones y el excesivo esplendor de la ornamentación y del color.  La época barroca se llevo a cabo entre el año 1600 fecha en que aparece la primera ópera que se conserva escrita y el 1750, en que muere Juan Sebastián Bach.  En el periodo barroco se llevo a cabo géneros dramáticos como la cantata, el oratorio y la ópera, y en una evolución constante, en pocos años, de la música instrumental.  En el período barroco tienen lugar dos acontecimientos fundamentales: la aparición y consiguiente desarrollo de la ópera y el auge de la música instrumental.  La ópera es el eslabón de enlace entre el barroco y el renacimiento, se considera a Claudio Monteverdi como la cumbre del género, y a su ópera Orfeo como el hito que marca el comienzo de la época barroca.  Durante esta época se construyó el primer teatro de ópera en Venecia en el 1637 marcando el tránsito del género.  Surge también, en la escena musical, la figura del “divo cantante” encargando por los famosos “castrati”, que exhibían su virtuosismo vocal en las arias plagadas de dificultades, y que arrebataban a los públicos con su personalísimas interpretaciones.  El más famoso de ellos fue Carlos Broschi quien con su canto, curó la depresión que padecía el rey de España Felipe V.  

Los músicos y compositores más importantes del Barroco

Emilio de Cavalieri (1550-1602), donde se inicia el Oratorio, denominación usada para designar las representaciones sagradas en estilo dramático, sobre temas religiosos.

Giacomo Carissimi (1605-1674)  es quien da un gran impulso a este “estilo nuevo” del barroco, escribiendo un gran número de oratorios, de los cuales únicamente se conocen unos quince, siendo “Jephte” el más representativo debido a su realismo.  Podemos decir que este oratorio es el equivalente del “Orfeo” de Monteverdi, en cuanto a lo que supone de cara al futuro del género.

Alessandro Scarlatti (1660-1725) se produce una evidente evolución tanto en la ópera y el oratorio, como en la música instrumental.  En sus óperas da una mayor importancia a la orquesta, iniciándolas ya con auténticas oberturas y dotándolas de numerosas arias, lo que conduce a aumentar el lucimiento de los cantantes.  Escribió 115 óperas, más de 20 oratorios, misas, motetes y numerosas obras instrumentales.

Domenico Scarlatti nace en Nápoles, en 1685 el mismo año que Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel.  Considerado como el más grande clavecinista de su tiempo.  Logra realizarse plenamente como artista cuando pueden librarse de la absorbente personalidad de su padre, Stabat Mater para voces y órgano.  Su obra maestra, sin duda, son las sonatas para clavicémbalo, llenas de serenidad y fantasía, desarrolladas en un estilo magistral, sin perder por ello la sencillez.  Revolucionó también la técnica de la ejecución en el clavecín, introduciendo los arpegios, las dobles notas, el cruce de las manos y la rápida repetición de una nota.  Hasta Chopin, no se vuelven a encontrar tantas innovaciones en la técnica de los instrumentos de teclado.

Alessandro Scarlatti.  En Venecia conoce a Händel y viajan juntos a Roma en 1708.  Vivió en Madrid, donde escribe la mayoría de sus sonatas para clavecín, y donde muere en 1757, dejando a su familia en la pobreza.  Escribió varias óperas, cantatas y salmos, destacando entre su música religiosa el

 Henry Purcell (Londres, 1659-1695) es el máximo representante del barroco en Inglaterra, dando muestra en sus óperas de una gran invención melódica, llena de intensa serenidad y, a veces de melancolía.  Dido y Eneas, El Rey Arturo y La reina de las hadas, fueron algunas de sus obras más destacadas.  Compuso, además, numerosas obras vocales e instrumentales.   

Antonio Vivaldi hijo de un violinista de la capilla de la catedral de Venecia, nace en dicha ciudad, hacia 1678, y empieza con su padre los estudios musicales.  En 1703, se le encarga la enseñanza del

violín en el Hospital de la Piedad hospicio para niñas abandonadas, siendo nombrado, poco después maestro de conciertos.  Visita las principales ciudades europeas, permaneciendo en Darmstad durante tres años y largas temporadas en Roma.  Se convierte en empresario de sus propias óperas, desarrollando una inconcebible actividad.  Derrochó una fortuna y murió en Viena, en 1741, en la indigencia, siendo enterrado en el cementerio de los pobres.  En poco más de treinta años, compuso cuarenta óperas, más de quinientos conciertos, de ellos unos doscientos para violín, tres oratorios, y diversas cantatas.  Compuso  Il cimento dell’ armonía e dell’ invenciones (a esta serie pertenecen los conciertos que corresponden a las cuatro estaciones, La stravaganza, La cetra entre, otras.)

Juan Sebastián Bach (1685 –1750).  De entre todas las dinastías de músicos, la de los Bach es única en la historia de la música por el número y la calidad de sus miembros, perdurando más de doscientos años.  De los veinte hijos que tuvo Juan Sebastián, le sobrevivieron solamente diez: seis varones y cuatro hembras.  

La falta de higiene y las precarias condiciones de vida contribuían a que proliferaran las enfermedades. Nace en Einsenach, Turingia, en el centro de Alemania, en 1685.  Su padre le enseña a tocar el violín, y su tío el órgano.  A los nueve años muere su madre, y un año después su padre, siendo recogido por su hermano mayor, Johan Cristoph, también buen organista.  A los quince años se traslada a Luneburgo, para tratar de abrirse camino con su trabajo, ingresando en el coro de la iglesia de San Miguel.  Allí prosigue sus estudios, y debido al cambio de la voz, tiene que abandonar el coro y ganarse la vida dando clases de violín, y dedicándose a tocar acompañamientos.  Poseía una habilidad grande para el violín, la espineta, el clavicordio y sobre todo el órgano.  Fue organista fuera de serie, admirado como tal por su generación.  Revolucionó la técnica de la interpretación, adoptando nuevas posiciones en las manos; en forma de bóveda, con los dedos curvados, y pasando el pulgar por debajo de los demás dedos, para poder ligar los sonidos de las escalas.  Fue también el primero que empleó todos los dedos para ejecutar trinos y adornos.  Le gustaba la puntualidad, la exactitud y el orden, acompañándole durante toda su vida una ardiente añoranza de la muerte; la nostalgia de un lugar donde todas las cosas alcanzan la perfección.  Su producción musical es como un arco que empalma el Gótico con el Barroco, para desembocar en el Clasicismo.  

Video de edad barroca

Una de las "suites" más reconocidas de la epoca barroca por :Handel - Water Music Suite "Air" and "Hornpipe"

Pintores del Barroco

El barroco artístico contrasta abiertamente con el ideal de armonía, proporción y medida que propugnó el Renacimiento. Las principales características del arte barroco son:

• Dinamismo. El artista barroco desea crear sensación constante de movimiento. Frente al predominio de las líneas rectas en el arte renacentista, el Barroco se vale, sobre todo, de la línea curva.
• Teatralidad. El artista intenta conmocionar emotivamente al espectador y para ello recurre a procedimientos hiperrealistas. Esta intencionalidad se aprecia, por ejemplo, en la representación de Cristos yacentes y en toda la imaginería sacra.
• Decorativismo y suntuosidad. El artista del Barroco atiende por igual a lo esencial y a lo accidental. De ahí su minuciosidad en la composición de pequeños detalles y su gusto por la ornamentación.
• Contraste. El artista barroco se manifiesta contrario al equilibrio y a la uniformidad renacentistas. Su ideal es acoger en una misma composición visiones distintas, y hasta antagónicas, de un mismo tema. En los cuadros de asunto mitológico, por ejemplo, los dioses aparecen mezclados con personajes del pueblo.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor barroco español, nació en Sevilla en 1599. A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. Al año siguiente, con 19 años, se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro, hecho habitual en aquella época, con quien tendrá dos hijas. Entre 1617 y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, caracterizada por el estilo tenebrista, influenciado por Caravaggio, destacando como obras El Aguador de Sevilla o La Adoración de los Magos. Durante estos primeros años obtiene bastante éxito con su pintura, lo que le permite adquirir dos casas destinadas a alquiler. En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor del Rey Felipe IV, gran amante de la pintura. A partir de ese momento, empieza su ascenso en la Corte española, realizando interesantes retratos del rey y su famoso cuadro Los Borrachos. 

Caravaggio:Pintor barroco italiano. Fue uno de los exponentes más destacados de la pintura del naturalismo barroco de comienzos del siglo XVII. Su utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional. Fue asimismo muy importante su utilización del claroscuro para imprimir dramatismo en sus obras. Su nombre verdadero era Michelangelo Merisi y nació el 28 de septiembre de 1573 en la ciudad de Caravaggio, en Lombardía, de donde tomó su sobrenombre. Fue discípulo de Simone Peterzano en Milán durante cuatro años antes de ir a Roma en 1593, y allí entró a trabajar en el taller del pintor manierista Giuseppe Cesari, también conocido como el Caballero de Arpino, para quien pintó frutas y flores. De su primera época conocida tenemos varias obras como el Baco joven. 

Diego Velázquez (1599-1660), tras una primera etapa tenebrista en Sevilla donde realiza bodegones de gran realismo (Vieja friendo huevos, El aguador), se traslada a Madrid donde es nombrado pintor de cámara de Felipe IV. Hace dos viajes a Italia. Pinta retratos ( Felipe IV, Conde-Duque de Olivares, Príncipe Baltasar Carlos), a caballo o de caza, sin olvidar los bufones ( Niño de Vallecas), cuadros mitológicos ( Los borrachos, La fragua de Vulcano, La Venus del Espejo, Las Hilanderas),cuadros históricos ( La rendición de Breda o Las lanzas), paisajes. Su obra maestra es Las Meninas, retrato colectivo de la familia real. En todos ellos destaca su dominio magistral de la perspectiva aérea, la luz, el dibujo y el colorido brillante aplicado con una pincelada suelta.

Francisco de Zurbarán (1598-1664), extremeño que trabaja en Sevilla. Con un estilo tenebrista pinta temas religiosos de composición simple y estática, con dibujo firme, estudio del volumen y rico colorido (San Hugo en el refectorio). Pinta también bodegones ascéticos, casi místicos y retratos a lo divino (Santa Casilda, Santa Margarita), de santas representadas como damas de la época.

Eventos históricos y culturales de la época Barroca

El pensamiento racionalista tuvo en el siglo XVII algunas de sus figuras más destacadas: Descartes, Leibniz, Spinoza... Todos ellos relegaron la posibilidad de un saber revelado y defendieron que la razón es la principal fuente de conocimiento humano. De este modo sentaron las bases del racionalismo.

Quienes más influyeron en el pensamiento posterior fueron el físico italiano Galileo Galilei y el matemático francés René Descartes.

Galileo Galilei fue uno de los fundadores del método experimental. A partir de sus observaciones, enunció las leyes de caída de los cuerpos y refrendó la teoría heliocéntrica de Copérnico. Debido a sus conclusiones, Galileo fue sometido a un humillante proceso inquisitorial, en el que se le obligó a abjurar de sus argumentos sobre el desplazamiento de la Tierra alrededor del Sol.

René Descartes fundamentó el racionalismo filosófico y científico. Partiendo de la crítica de los sentidos como forma de conocimiento ha de fundamentarse en la intuición de principios incuestionables; desde ese momento, la razón elabora construcciones cada vez más abstractas, siguiendo un método deductivo.

En España, la influencia del racionalismo apenas se dejó sentir. En su lugar, se registra una actitud de escepticismo hacia la naturaleza humana, escepticismo que conduce a una visión pesimista del mundo radicalmente opuesta al optimismo renacentista. Un buen ejemplo de esta actitud lo encontramos en Baltasar Gracián, para quien las únicas armas de que se dispone para combatir el estado de crisis y ruina de la sociedad son el individualismo y la desconfianza hacia los demás.

Características generales de la música 

Para muchos autores, el más grande compositor del siglo XVII, es Claudio Monteverdi, a quien en la evolución musical se le asigna un papel tan importante como el de Beethoven dos siglos más tarde.  

La enorme influencia ejercida por Monteverdi, y no sólo en el campo de la ópera, aunque no compuso obras instrumentales, revolucionó el uso de los instrumentos acompañantes, desarrollando también a su nuevo estilo en la música sacra y en las formas vocales profanas.  En 1613 es nombrado maestro de música de la Serenísima República de Venecia, y allí concibe un gran número de obras sacras.  Escribió también un gran número de madrigales, siendo el primer compositor que usó el trémolo de las cuerdas como elemento expresivo de la orquesta.  La ópera cómica en Inglaterra, como en Francia, empezó siendo una parodia de la ópera seria.  Es con la aparición de la ópera, el otro fenómeno característico del panorama musical del barroco. El aspecto artístico reflejó fielmente las características sociales de la época. Algunos aspectos detallados de las características en el arte, fueron:

• Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos.
• Explotación y agudización de los contrastes.
• Imitación de la naturaleza.
• Propensión a lo trascendental, a lo solemne y a lo magnífico.

Estas características fueron comunes a casi todas las naciones, pero a pesar de ello, cada una de ellas desarrolló su aspecto artístico dependiendo de su estructura social y su organización política y religiosa, instituciones que ejercieron gran influencia en el desarrollo del arte.
Una característica importante fue que los detalles del arte en el barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (la polifonía recuperará más tarde con Bach todo el esplendor que la ha caracterizado), dando de ésta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada
por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto debido en gran parte a la corriente humanista.
Y a propósito del acompañamiento, se ideó un sistema de anotación conocido como el bajo continuo. Era una parte para bajo, usualmente escrita para teclado (dado que casi todo acompañamiento en la música barroca era con órgano o clavecín), con unas cifras que señalaban las armonías exigidas.
Otros hechos importantes del barroco musical fue el nacimiento del género operístico, la improvisación y las primeras formas instrumentales.

Tipos de composiciones y formas de la música del Barroco

 Una característica de la música instrumental de este período es la aparición del bajo continuo, forma nueva de indicar las armonías o intervalos armónicos que debían tocarse.  Actualmente se hace una cosa parecida en la música popular, con la escritura de algunos acompañamientos cifrados para guitarra u órgano electrónico. 

La evolución se manifiesta en varias direcciones, ya en el desarrollo e invención de nuevos estilos de danza, cuya agrupación en forma de “suite” es atribuida a Froberger (1616-1667), ya en la música para órgano y clavecín, donde se perfecciona el estilo fugado.  

Con la música instrumental sucede igual que con la ópera y la cantata, que se usaba tanto en la iglesia, vinculada principalmente al órgano, y en la llamada sonata de Chiesa (sonata de iglesia) , que se utilizaba como obertura en las óperas.  Con la Sonata de Chiesa nace la sonata de camera, que inicialmente consistía en una agrupación de danzas.   

Formas Instrumentales

El Concerto Grosso:

Se derivó de la escritura para grupos. En esta forma musical, uno o varios instrumentos se destacan (concertino) en determinados pasajes, en contraste con la generalmente reducida orquesta (tutti o ripieno). Sus primeros representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani. Más tarde sería el maestro Vivaldi quien llevaría el concerto grosso a su máxima esplendor. A partir de él, esta forma tuvo por lo general 3 movimientos (allegro-adagio-allegro), y se sentaron las bases del virtuosismo de los solistas en el futuro.

La Suite:

Es un conjunto de danzas contrastantes y en la misma tonalidad (generalmente), pero con diferente medida y tiempo. Con Bach y Haendel adquirió una estandarización con cuatro danzas principales: allemande, courante, sarabande, gigue, precedida por una introducción denominada preludio u obertura.

1. Preludio: Introducción. A veces formado mediante la improvisación sobre un tema rítmico o melódico.
2. Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y melódico.
3. Courante: De ritmo ternario, y carácter animado, suele contrastar notablemente con la anterior.
4. Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente. Un componente infaltable de la suite barroca, con ritmo ternario, con stress o prolongación del segundo beat de cada compás. Curiosamente, no tiene relación alguna con la rápida danza con el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI fuera prohibida por Felipe II de España por su carácter lascivo.

Si bien estas cuatro danzas fueron las más importantes, con frecuencia se incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y otras.
La Sonata:Es una composición de estructura binaria o ternaria, ejecutada por uno o dos instrumentos, en tres o cuatro movimientos. Existían dos tipos de sonata: La Sonata de Camera (sonata de cámara, basada en movimientos de danzas) y La Sonata de Chiesa (sonata sacra, de carácter más serio).
La Toccata:Básicamente es una pieza musical destinada generalmente para instrumentos de teclado. Tiene como características sus pasajes virtuosísticos de lucimiento.
Se le asocia estrechamente con la fuga en el Barroco Tardío. Luego perdería importancia.
La Fuga:Composición musical que tuvo su origen en el renacimiento. Consiste en su forma más simple, de una composición que gira sobre un tema y su contrapunto, repetidos en diferentes tonos. Es como si la melodía se fugara de una voz a otra en imitaciones interminables. La fuga obtiene con Bach su estructura perfecta. De esta forma se contemplan cuatro secciones:
Exposición: Aparece el tema en cada una de las voces en forma sucesiva. El tema melódico que está en la tónica se le denomina sujeto y al que va en la dominante se le denomina respuesta. A veces hay un tema secundario llamado
contrasujeto.
Desarrollo: Se "juega" con los aspectos rítmicos y melódicos del tema central.
Sección Conclusiva: Regresa el tema central en su versión original, pero se advierte la proximidad del fin.
Coda: Es una pequeña sección que afirma el tono central de la obra para darle su sentido conclusivo.

Bibliografía

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Editoral Akal  (2013).  La Guía Completa de La Musica Clásica.  

ISBN 978-84-460-3792-7

Burkholder, J. Peter; Grout, Donald Jay; Translated by: Gabriel Menéndez Torrellas (2008) Historia de la música occidental, Publisher: Alianza Editorial ISBN: 978-84-206-6308-1.

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Compiled and edited by H.C. Robbins Landon, translated by R. Wadleigh. E. Hartzell. Macmillan. Beethoven a Documentary Study. 1974 ISBN 002004500X